5 artistas contemporâneos que reinventaram o uso da cor

Tubos de tinta em revolta cromática.

“A cor é o lugar onde o nosso cérebro e o universo se encontram.” — Paul Klee

Toda a gente fala de Van Gogh, Matisse e Rothko quando o tema é cor. Mas e os artistas de hoje? Não vivem na sombra: reinventam a cor como linguagem, experiência, até como provocação. Eis cinco nomes que devias ter na ponta da língua no próximo jantar artístico.

Olafur Eliasson
Não pinta, mas pinta com luz. As suas instalações transformam salas em pôres do sol artificiais e névoas coloridas. Para ele, a cor não é tinta: é ambiente.

Anish Kapoor
Se já viste aquele preto que engole o olhar (o famoso Vantablack, e a polémica à volta dele), sabes do que falo. Kapoor não usa cor como decoração, mas como poder absoluto.

Yayoi Kusama
Polka dots, infinitos espelhados e salas que parecem saídas de um delírio pop. Kusama transformou a cor em obsessão repetitiva — e nisso encontrou a sua liberdade.

Sean Scully
Parece “só” geometria, mas é poesia em blocos. As suas faixas de cor respiram, vibram, quase se movem. A abstração dele é quente, não clínica.

Cecily Brown
Pinta como quem mergulha no caos. As cores explodem, borram-se, misturam-se em gestos furiosos. É pintura que não pede licença para entrar.

👉 Em bom português: a cor nunca foi só estética — é também atitude. Estes cinco provam que ainda pode reinventar-se a cada geração.

Antes da primeira pincelada

Silêncio antes da criação.

“Não é o pintor que escolhe o quadro, é o quadro que escolhe o pintor.” — Georges Braque

Muita gente pensa que a pintura começa no instante em que o pincel toca a tela. Como se fosse magia imediata: cor → tela → obra.
Mas para mim, começa muito antes. No silêncio. No vazio. Naquele espaço invisível onde a obra decide se quer nascer.

O que vem antes
Cada série pede a sua própria lógica. Já vi telas transformarem-se em fragmentos de memória, em corpos a dançar, em territórios por explorar. Nunca repito o caminho. Cada exposição obriga-me a desaprender e a inventar uma nova forma de pensar.

É aí que mora o risco: entrar numa floresta que nunca percorri, sem mapa, sem garantia de saída. E, claro, com a esperança teimosa de que no fim haja luz.

Ordem e caos à mesa
Posso traçar planos, esboçar ideias, encher cadernos de notas. Mas chega a hora da verdade: a cor escolhe o seu destino, o gesto impõe-se, o quadro responde. E eu? Eu sigo.
É nesse fio tenso entre ordem e caos que a obra se revela — e, às vezes, me surpreende mais do que a ti.

O verdadeiro segredo
Talvez a chave não esteja em dominar a pintura. Talvez seja apenas isto: preparar o espaço para que ela aconteça. Como quem abre uma clareira e espera que a luz atravesse.

👉 Conclusão de café: a pintura não começa na tela, mas no espaço que abrimos para que ela exista. E em Dezembro vou abrir esse espaço contigo.

Por que ainda falamos de Van Gogh?

Vincent van Gogh, “Two Cut Sunflowers” (1887). The Phillips Collection, Washington, DC. Imagem em domínio público via Wikimedia Commons.

“Eu sonho a minha pintura e pinto o meu sonho.” — Vincent van Gogh

Fala-se de Van Gogh como se fosse um velho amigo. E, de certa forma, é. Tu conheces o chapéu de palha, os girassóis, a orelha, as cartas ao irmão Theo. Mesmo que nunca tenhas posto os pés num museu, já te cruzaste com ele.

Mas porquê esta obsessão coletiva?

A tragédia vende (e muito)
Van Gogh é o rockstar original da pintura: pobre, incompreendido, suicida. Viveu na miséria, morreu cedo, não vendeu quase nada em vida. O resto da história já sabes — o mercado e a crítica transformaram-no em lenda. A cultura adora mártires.

A cor que grita
Olha para um quadro dele e diz-me que não ouves som. O amarelo dos girassóis parece cuspir luz. O céu estrelado não é céu, é música em óleo. Há ali uma intensidade que atravessa o tempo, quase sem tradução.

O mito da autenticidade
Na era dos filtros do Instagram e dos currículos polidos no LinkedIn, Van Gogh funciona como contraponto. O “louco genial” que não fingia. Que queimava por dentro e atirava as brasas para a tela. Verdade ou construção romântica? Tanto faz. Funciona.

E tu, onde entras?
Falamos de Van Gogh porque precisamos de alguém que nos lembre que a arte não é só mercado, não é só técnica, não é só “bom gosto”. É excesso, é dor, é beleza que incomoda.

👉 Moral artística da novela: Van Gogh é o lembrete de que a arte, para ser arte, tem de ser urgente.

Fragmentos frescos: primeiras pistas da próxima exposição

“Pinto como respiro.” — Pablo Picasso

Introdução
Sexta-feira pede revelações. Não todas, claro — artista que se preze sabe que o suspense também é matéria-prima. Então, aqui fica: a primeira dentada visual do que aí vem na próxima exposição.

O detalhe que conta uma história
Na foto vês a mão, a tinta fresca, a espátula a rasgar a tela. Não é pose, é processo. E se mostra só um canto, é porque a obra inteira ainda não pode sair do ateliê. O segredo também pinta.

As primeiras telas
Estão a nascer em camadas grossas, quase escultóricas. Verdes que lembram selva, laranjas que piscam olho ao fogo. Textura a pedir que passes o dedo (não, não podes). É o lado físico da pintura — gesto, corpo, suor — que às vezes esqueces quando olhas só para o quadro pendurado.

Porquê mostrar agora?
Porque a exposição já respira, e tu mereces um cheirinho. É como abrir a panela antes da sopa estar pronta: sabes que ainda falta, mas não resistes a espreitar.

Fecho
👉 Moral artística da novela: este é só o primeiro fragmento. Até Dezembro, o blog vai largando pistas frescas…

Como escolher entre tela e papel: guia simples para não se perder na papelaria

“A arte não reproduz o que vemos. Ela nos faz ver.” — Paul Klee

Tu entras numa papelaria. O plano era rápido: comprar “qualquer coisa para pintar”. Meia hora depois, ainda estás parado entre telas, papéis lisos, granulados, grossos, finos, baratos, caros… e já pensas em fingir que esqueceste a carteira.

Tela ou papel? Eis a questão
O dilema é velho. A tela dá prestígio, parece logo “arte séria”. O papel é mais democrático, versátil, cabe em qualquer pasta. Ambos têm charme — mas convém saber o que cada um pede.

Quando escolher tela

1. Queres que a peça dure décadas sem amarelar.
   
   

2. Vais trabalhar com tinta a óleo ou acrílico (o papel sofre com isso).
   
   

3. Gostas da textura irregular que dá profundidade à cor.
   
   

4. Queres pendurar a obra na parede sem moldura.
   
   

5. Precisas de sentir que és “pintor de cavalete”, nem que seja só ao domingo.
   
   

Quando escolher papel

1. Preferes experimentar técnicas (aquarela, guache, grafite, pastel seco).
   
   

2. Gostas da liberdade de rasgar, colar, dobrar.
   
   

3. Não tens espaço para armazenar telas (o papel empilha).
   
   

4. Queres algo mais barato para testes ou séries rápidas.
   
   

5. Sabes que até Picasso usava papel para rabiscar — e não lhe correu nada mal.
   
   

Dica de sobrevivência na papelaria
Se ainda assim bloqueares no corredor das gramagens: compra os dois. O pior que acontece é descobrires que afinal és artista multimédia sem saber.

👉 Moral artística da novela: tela impressiona, papel liberta. No fundo, é como escolher entre vinho e café — cada um tem o seu momento.

10 coisas que um pincel pensa quando está esquecido num copo de água

Tu esqueces o pincel no copo de água. Para ti é só distração… mas para ele é tragédia. Entre bolhinhas e tinta diluída, o pincel vive um drama que nunca chega às galerias.

10 pensamentos molhados de um pincel esquecido

1. Isto não é spa, é tortura medieval.

2. Se eu fosse vinho, já me tinhas resgatado.

3. Estou a dissolver-me… adeus dignidade.

4. Olha que giro: bolhinhas! … espera, isto sou eu a morrer.

5. A vizinha escova está a gozar comigo.

6. Quem precisa de terapia aqui sou eu, não tu.

7. Quando secar, vais chorar por cada linha fina perdida.

8. Se ao menos tivesse sido lápis… eles nunca se afogam.

9. Chamam a isto processo criativo? Parece mais um castigo do IKEA.

10. A próxima vez, deixa-me no cavalete… ao menos morro de pé.

    
    👉 Em bom português: o que interessa é isto — nunca subestimes o drama de um pincel molhado.

Escultura minimalista: simples ou enganadora?

 Linhas depuradas, silêncio em madeira e ferro.

“Menos é mais.” — Ludwig Mies van der Rohe

A escultura minimalista parece, à primeira vista, simples. Linhas puras, formas despojadas, ausência de floreado. Mas será mesmo assim tão linear?

👉 A ilusão da simplicidade
O olhar distraído pode pensar: “Qualquer um fazia isto.” Mas o difícil está em chegar ao essencial sem cair na monotonia. Tirar, cortar, limpar… até que só reste o indispensável.

👉 O diálogo entre vazio e forma
Na escultura, o espaço vazio não é ausência — é parte da obra. O vazio molda o volume, cria tensão, sugere presenças que não estão lá mas quase se sentem.

👉 Porquê enganadora?
Porque por trás de cada linha “simples” está um trabalho de escolhas radicais: o que fica e o que desaparece. A economia formal exige uma atenção quase obsessiva.

👉 Queres ver como o minimalismo ganha corpo?
Passa pela Na Galeria para descobrir a coleção completa.
E, se quiseres explorar as peças (ainda) disponíveis para compra, visita também a página Figurativismo Abstrato Minimalista.

👉 Conclusão de café
Minimalismo não é preguiça. É risco, é precisão, e é confiança em deixar que o essencial fale sozinho.

Picasso: génio ou vendedor de ilusões?

Pablo Picasso, 1950s. Fotografia de André Villers.

“Leva anos para aprender a pintar como os mestres, mas uma vida inteira para voltar a pintar como uma criança.” — Pablo Picasso

Picasso foi génio ou foi um excelente vendedor de ilusões?
A pergunta incomoda, porque mexe com o pedestal onde o colocámos.

De um lado, o génio inegável:

• Reinventou-se em vários estilos, do azul ao cubismo.

• Destruiu convenções e abriu portas a quase tudo o que hoje chamamos de arte contemporânea.

• Criou obras icónicas que até quem não gosta de arte reconhece.

Do outro, o mestre da ilusão:

• Sabia provocar, escandalizar e chamar atenção como poucos.

• Vendeu-se (e vendeu-nos) a ideia de que qualquer traço seu era arte.

• Transformou a sua persona num espetáculo — e isso também se paga caro.

Gertrude Stein, que conviveu com ele em Paris, dizia:

“Ele é espanhol, tu sabes… e para um espanhol, o mundo é um palco.”

E o crítico Robert Hughes não poupava ironia:

“Picasso tinha tanto de vendedor como de pintor. Mas talvez fosse esse o segredo da sua grandeza.”

👉 O que sobra é esta ambiguidade deliciosa: Picasso foi artista e performer, pintor e vendedor, génio e ilusionista. Talvez seja isso que o torna eterno — não se consegue encaixá-lo numa só caixa.

E tu? Quando olhas para um Picasso, vês génio, truque ou os dois ao mesmo tempo?

👉 Moral artística da novela
Picasso pode ter vendido ilusões, mas talvez seja esse o maior dos seus talentos: convencer-nos de que a arte é mais do que tinta na tela — é também a história que acreditamos ver.

O que é arte, afinal?

Tinta e café — os combustíveis oficiais da insanidade criativa.

“Arte é aquilo que faz o teu coração bater mais rápido. Ou mais devagar. Mas nunca indiferente.” — Anónimo

Arte não é só museus e paredes brancas.
Arte pode ser o rabisco no guardanapo, a foto desfocada que afinal tem mais alma do que a “perfeita”, ou até o silêncio entre duas notas de guitarra.

É pessoal, mas também universal.
É sério, mas pode ser uma palhaçada genial.
É trabalho duro, mas também um golpe de sorte.

👉 O truque? Não precisa de definição única. Precisa é de espaço para respirares e sentires.

👉 Em bom português: o que interessa é isto
Arte é tudo o que te obriga a parar por um segundo e pensar: “Espera aí… isto mexeu comigo.”